Reseña de Peliculas

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“El abrazo de la serpiente’ da voz a una cultura que fue aniquilada”

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“El abrazo de la serpiente’ da voz a una cultura que fue aniquilada”

El filme dirigido por Ciro Guerra compitió en la 88ª edición de los Premios Oscar, en la categoría Mejor película de habla no inglesa. Raúl Bravo, coproductor por Venezuela del largometraje, contó los detalles de la obra.

“El abrazo de la serpiente” representó a Latinoamérica con orgullo en la 88ª edición de los Premios Oscar, marcando un hito para la cinematografía del cono sur. El filme coproducido entre Colombia, Venezuela y Argentina del realizador Ciro Guerra, una obra mística y ancestral que refleja un viaje de conocimiento interior mediante dos historias paralelas que se complementan en el corazón del Amazonas, no defraudó a los espectadores y se posicionó como una de las favoritas de la crítica en la carrera por la estatuilla.
Como un sueño cósmico revelador del poder de la naturaleza en relación con la humanidad puede describirse la película, filmada en la población de Mitú, del departamento de Vaupés, al suroriente de Colombia, a muy pocos kilómetros de la frontera con Ecuador. “Theodore” -interpretado por el actor belga Jan Bijvoet- es un profesor alemán que en 1904 se adentra en la selva para estudiar mediante una investigación antropológica las relaciones sociales y culturales.
Enfermo de gravedad, su única salvación es la “yakruna”, una planta sagrada que solo puede hallar a través de la guía de “Karamakate” (Nilbio Torres), un chamán indígena que decidió aislarse en la profundidad de la zona, decepcionado de la humanidad, luego de haber sido testigo del exterminio de su tribu a manos de los ‘caucheros’. Esperanzado por conseguir algún vestigio de su etnia, accede a conducirlo.
Treinta años más tarde, en 1939, el explorador Richard Evans (Brionne Davis) afirma que desea emprender esta misma búsqueda, guiado por los escritos heredados de “Theo”. Se topa con un “Karamakate” anciano (Antonio Bolívar), quien asegura haber perdido su memoria ancestral y decide llevarlo. Durante el recorrido, una confesión de Richard desatará una serie de acontecimientos que no dejará a nadie indiferente.
Raúl Bravo, coproductor por Venezuela de la película, explicó el salvajismo que los blancos protagonizaron a principios del siglo XX, cuando hubo el ‘boom’ del caucho en Colombia. “El desarrollo de la industria automotriz mundial comenzó a demandar este producto y la selva amazónica colombiana era rica en árboles caucheros. Rápidamente se instalaron allí unos colonos para llevar a cabo su explotación, pero encontraron el problema que esas comunidades estaban ocupadas por sus habitantes originarios y ancestrales, los indígenas. Entonces los esclavizaron, y a quienes no se dejaban, los asesinaban. Esto está registrado en la historia así”.
De esa manera, distintos pueblos originarios de la zona fueron despojados de su naturaleza, tópico que explora la película inspirada en el diario de los exploradores Theodor Koch-Grunberg y Richard Evans Schultes, con un guión coescrito por Guerra junto con el francés-colombiano Jacques Toulemonde.
“Hay una carta que se llama ‘motivación del director’. Ciro Guerra empieza ese documento diciendo que cada vez que veía el mapa de su país, Colombia, veía una gran mancha verde de la cual muy poco se sabía: el Amazonas. ¿Qué ha sido de esa zona? ¿solo guerra, narcotráfico, coca, indios y guerrilla? ¿o es que ha habido allí alguna cultura que pueda trascender y de la cual los mismos colombianos son totalmente ignorantes? Entonces se propuso revelar ante los espectadores todo lo que descubrieron los exploradores que viajaron en el siglo XX. Toda esa cultura fue aniquilada, junto con una forma de ver la vida y conocimientos medicinales que han sido descartados por eso que llamamos progreso, al cual sería bueno cuestionar si en verdad lo es, porque nos está llevando a la destrucción del planeta”, añadió Bravo sobre el eje de la historia.
Guerra, joven realizador de 34 años, presenta en su tercer largometraje un viaje espiritual alucinante que se pasea por una gama de emociones en blanco y negro, hablada entre nueve idiomas y lenguas.
Su participación en los premios de la Academia Norteamericana no pudo alcanzar el sueño que se cumplió para Argentina por partida doble con “La Historia Oficial” de Luis Puenzo (1985) y “El Secreto de sus Ojos” de Juan José Campanella (2010), pero sí que dejó las mejores sensaciones luego de su reciente estreno en Estados Unidos, al registrar más de 50 mil espectadores y recibir la admiración de importantes medios, como la revista Rolling Stones, que la catalogó como “un recorrido por el corazón oscuro de Colombia que no se compara con nada visto anteriormente”; o LA Times, que la describió como “un filme con mucho en su mente que no trata sobre destinos, sino que envuelve a los espectadores en una gran intimidad”.
“El desenlace maravilloso es parte de los indígenas del Amazonas, que convivían en armonía con la naturaleza. Ellos veían la selva como una extensión de su propia existencia y no como un mercado. Es una deidad para ellos, que tienen la cosmovisión. Piensan que los espíritus de sus antepasados, al morir, han quedado en la tierra, en los ríos y en los árboles. Por eso es que todos esos lugares son sagrados. Para poder filmar en esta área, hubo que pedir permiso a los chamanes. Al principio estaban muy reticentes. Preguntaban qué película era y cómo iban a ser presentados. Ciro aclaró que quería precisamente darles voz, esa que ha sido callada durante siglos a fuerza de látigo y es necesario que el mundo escuche. Ellos dieron su bendición y por eso es que un rodaje tan complicado y riesgoso durante siete semanas en pleno corazón de la selva, salió bien y sin ningún percance ni accidente. Es un lugar lleno de culebras”.

Luego de su estreno en la Quincena de Realizadores del Festival Internacional de Cine de Cannes, su recorrido por festivales internacionales la llevó a conquistar, entre muchos otros galardones, el “Art Cinema Award” en ese mismo evento. También el Premio Coral de Música Original del 37° Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de la Habana, Cuba y el Premio Fénix 2015 de México en la categoría Música para el venezolano Nascuy Linares; mientras que el también criollo Marco Salaverría conquistó el Fénix a Mejor sonido junto con el colombiano Carlos García.
‘El abrazo de la serpiente’ compitió en los Oscar con “Theeb” (Jordania) “Mustang” (Francia) “A War” (Dinamarca) y “Son of Saul” de Hungría, que finalmente conquistó el renglón extranjero de la premiación.
Participación venezolana en “El abrazo de la serpiente”
Equipo técnico:
-Músico: Nascuy Linares.
-Script: Angélica Varilla.
-Sonidista: Marco Salaverría.
-Microfonista: René Romero.
-Productor Ejecutivo: Raúl Bravo.
-Mezcla de sonido: Víctor Jaramillo y Marco Salaverría.
-Operador de sala de mezcla final: Gustavo González (360 Studio).
-Mezcla de música original: David De Luca.
Personal artístico:
-Actor secundario (Gaspar): Luigi Sciamanna.
Fuente: Centro Nacional Autónomo de Cinematografía. http://www.cnac.gob.ve/?p=6452
Imagen: http://www.cnac.gob.ve/wp-content/uploads/2016/03/abrazo-oscar-1.jpg
Texto: Ernest Stuyvesant

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Documental Sunú: una charla con Teresa Camou Guerrero

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Pablo Martínez Zárate / Letras libres/ Mayo 4, 2016

Teresa Camou regresó a la Sierra Tarahumara en sus veinte, un par de zancos al hombro y pedazos de cartón reciclado bajo el brazo. Había dejado su natal Chihuahua un par de años antes para realizar sus estudios universitarios al norte de la frontera, enfocados en artes escénicas y la creación de títeres a gran escala. El cabello raso, un arete colgando de la nariz, Teresa visitaba a México con el deseo de practicar el teatro como un vehículo de transformación social.

Cada invierno Teresa dejaba su universidad en Vermont para llevar a cabo temporadas de teatro indígena junto con jóvenes rarámuris. La inspiración, además de la escuela campesina de su madre (activista y educadora popular en la región), provino de varios años de participación con la compañía Bread and Puppet Theatre, de Peter Schumann. “Ahí se me abre la posibilidad,” recuerda la hoy documentalista, “de que tú puedes hacer arte de muy buena calidad con un tema social.”

El trabajo de Teresa en la sierra duró doce años, durante los cuales montó innumerables funciones itinerantes por poblados de la zona. La iniciativa se apagó por la ola de violencia que asoló el estado y también por la falta de recursos. Además, Teresa llegó a un punto en su vida donde sintió que el teatro “le quedaba chico” para contar la historia de estos jóvenes tarahumaras, quienes veían frustrados sus sueños de cultivar el maíz.

“Cuando les preguntaba sobre su futuro, todos me decían: ‘Teresa, nos vemos sembrando maíz, nos vemos trabajando la milpa, casados, con una casita, con animales. No queremos violencia, no queremos camionetas, no queremos celulares. Queremos vivir en paz como indígenas, sembrando nuestro maíz.’ Esto fue hace 7 años”, recuerda Camou. Mientras tanto hoy, dice, la gran mayoría de los jóvenes con quienes participó en el teatro “no tienen lo que querían: ni tierra, ni maíz, ni animales. Viven en mucha violencia.”

¿Qué mejor medio, se preguntó Teresa, en un mundo como el nuestro, que el cine? ¿Acaso no es el soporte ideal para llevar esta historia a un gran número de personas para quienes de lo contrario estas narraciones serían inaccesibles? El proceso fue largo: 5 años, 8 estados, 22 comunidades, 250 horas de material filmado. El resultado fue una película de hora veinte minutos que advierte sobre una potencial crisis alimentaria en México.

La directora quiso integrar múltiples visiones en la historia: familias indígenas, campesinos de temporada y empresarios agrícolas, cuyas voces puso a dialogar con la versión del gobierno. “El amor y la pasión por la semilla se da en todos niveles”, afirma Camou, “se sienten solos todos, solos porque no ven una relación con la ciudad. Nosotros en la ciudad ya no nos preguntamos quién nos alimenta.” Esa pregunta sobre el origen de lo que comemos, según ella, es lo que puede conectar a los habitantes de la ciudad con la urgencia de proteger e impulsar al campo en México.

Uno de los principales retos que identificó Teresa es la falta de información, tanto en el campo como en la ciudad, sobre temas relacionados con el maíz. Estos temas son, afirma, de relevancia para todos: el origen de las semillas transgénicas e híbridas, los intereses transnacionales detrás de su importación, los riesgos para la salud y la pérdida de la identidad en las comunidades. Los rasgos culturales asociados al maíz germinan, a lo largo de los 80 minutos deSunú, como un recordatorio de que en este país el cultivo del maíz va de la mano de la historia milenaria de los pueblos indígenas. Por lo tanto, proteger el maíz equivale a defender un rasgo distintivo de las culturas mexicanas.

“Cuando a los que participaron en el documental les platicaba de las otras personas que había filmado, se morían de ganas de ver las tomas, ver cómo los otros trabajan la tierra”, comparte Teresa para concluir que lo propio de México, reflejado en el campo y sus productos como en tantas otras manifestaciones, es la diversidad. “En cada estado hay una semilla distinta de maíz, en cada estado hay una forma distinta de trabajar la tierra y un plato de maíz distinto.” Lo anterior debe orientar la discusión, según la realizadora, no nada más a la protección de la salud al generar información sobre los transgénicos, sino también por medio de la defensa de esta riqueza natural y cultural.

Sunú confirma que el soporte documental es un transporte de historia local, un medio que le brinda al espectador la oportunidad de recorrer distintas regiones de México y conocer la actualidad de esta semilla, protagonista de nuestras tradiciones. “El campo en México está latente, está vivo; aunque esté jodido, está vivo.” La gente defiende el maíz, asevera, porque a los campesinos y los empresarios agrícolas los une una misma pasión. Ella quiso representar este interés compartido lo mejor posible a través de un medio audiovisual.

Al platicar sobre cómo su película puede convertirse en un detonante del cambio social e incidir en las discusiones actuales sobre el futuro del maíz en México, Teresa compartió su fe sobre el diálogo que resulta de las proyecciones deSunú. Además, platicó que con Ambulante existe la posibilidad de llevar su película al Senado en julio próximo. Para esta función, tiene pensado acudir con un grupo de especialistas para fomentar una toma de decisiones informada por parte de los representantes.

La directora de Sunú se estrena en el arte documental con una mirada potente y un voz que se alza sin temor. “El documental es algo fabuloso, estás grabando la historia de ese momento, sea con dinero o sin dinero, se haya caído la narrativa a la mitad de la película o no, estás documentando algo real.” Gracias a la tecnología que tenemos a nuestro alcance, afirma que hoy en día el documental es una herramienta activa que “tiene una potencia más grande que la ficción.”

Antes de despedirse, Camou Guerrero confesó que desarrolla una idea para su siguiente película para la cual tiene la intención de retomar su formación como titiritera. Por lo pronto, Sunú estará en gira nacional con Ambulante hasta finales de junio, además de continuar en su recorrido internacional hasta finales de año. En ese momento, Teresa asegura que la película estará disponible en la red.

Para más información sobre la película visita http://sunudoc.com/

Fuente: http://www.letraslibres.com/blogs/en-pantalla/sunu-una-charla-con-teresa-camou-guerrero

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Película : La Noche de los Lápices.

Reseñas

Se conoce como La Noche de los Lápices a una serie de diez secuestros y asesinatos de estudiantes de secundaria, ocurridos durante la noche del 16 de septiembre de 1976 y días posteriores, en la ciudad de La Plata (ciudad capital de la Provincia de Buenos Aires).
Este suceso fue uno de los más reconocidos entre los actos de represión cometidos por la última dictadura cívico-militar argentina (1976-1983), ya que los desaparecidos eran estudiantes, en su mayoría menores de edad (menos de 18 años), que fueron torturados antes de matarlos.
El caso tomó notoriedad pública en 1985, luego del testimonio de Pablo Díaz, uno de los sobrevivientes, en el Juicio a las Juntas. Además Díaz participó de la creación del guion que llevó la historia al cine en 1986, en el film homónimo. Cuatro de los estudiantes secuestrados sobrevivieron a las posteriores torturas y traslados impuestos por la dictadura.

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Película: Estrellas en la tierra

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India/Estrellas en la tierra (2007)

Se trata de una película mágica, inolvidable, que nos habla  de Ishaan Awasthi, un niño de 8 años que sufre dislexia, incomprendido por su familia y su entorno. Sin embargo, esto cambiará cuando se cruce en su vida el nuevo profesor de arte, Ram Shankar Nikumbh, que no podrá evitar interesarse por su historia…

Es una película de la India dirigida y producida por Aamir Khan y protaganizada por Darsheel Safary y Aamir Khan. Es la historia de un niño con necesidades especiales y su maestro inspirador.1 Taare Zameen Par fue la selección oficial de la India para los Premios Óscar de 2007.

Es un niño de ocho años que va a la escuela pero falla cada prueba o examen. Encuentra todos los temas difíciles, y es menospreciado por sus profesores y compañeros de clase. Pero el mundo interno de Ishaan es rico en maravillas, tierras mágicas llenas de animales y colores que él no es capaz de transmitir a los demás. Él es un artista cuyo talento no es reconocido. El padre de Ishaan, Nandkishore Awasthi(Vipin Sharma), es un ejecutivo de éxito que espera a que sus hijos sobresalgan. Su madre, ama de casa Maya Awasthi (Tisca Chopra), se siente frustrada por su incapacidad para educar a su hijo. El Hermano mayor de Ishaan, Yohaan (Sachet Engineer), es un erudito ejemplar y deportista, características que su padre le mantiene recordando a Ishaan. Después de recibir un informe académico de calificaciones bastante pobres, los padres Ishaan deciden enviarlo a un internado. Allí se hunde en un estado de miedo y depresión, a pesar de ser amigo de Rajan (Tanay Chheda), niño con discapacidad física y uno de los mejores estudiantes de la clase. La situación de Ishaan cambia cuando un nuevo profesor de arte, Ram Shankar Nikumbh (Aamir Khan), se une a la facultad de la escuela. Nikumbh es un instructor en la Escuela di tulipanes para niños pequeños con discapacidades del desarrollo, el estilo de enseñanza de Nikumbh es muy diferente de la de su predecesor estricto, y rápidamente observa que Ishaan es infeliz y contribuye poco a las actividades de la clase. Mikumbh revisa el trabajo de Ishaan y concluye que sus deficiencias académicas son indicadores de dislexia. En su día libre, Nikumbh visita a los padres de Ishaan y les pregunta si puede ver más del trabajo de su hijo. Él se sorprendió al ver la complejidad de una de las pinturas de Ishaan, y le dice a sus padres que Ishaan es un niño brillante que procesa la información de manera diferente a los otros niños de su clase, pero el padre de Ishaan sospecha que la explicación es simplemente una excusa para el mal desempeño de su hijo. Nikumbh le exige que lea un texto japonés en una caja y lo regaña cuando no puede, lo que le da una idea de la experiencia que tiene Ishaan en la escuela. Con esto, Nikumbh describe la dislexia y les explica que no es un signo de poca inteligencia. Él les dice que pueden proporcionar tutoría adicional que ayudará a Ishaan, destacando la capacidad artística del niño evidente en sus muchas pinturas y otras obras creativas. Posteriormente, Nikumbh trata el tema de la dislexia en la clase, y ofrece una lista de personas famosas que son considerados disléxicos. Mientras los estudiantes están abandonando el salón de clases, Nikumbh pide a Ishaan quedarse un momento y le revela que él también experimentó las mismas dificultades con dislexia. Más tarde, Nikumbh visita el director de la escuela y obtiene su permiso para convertirse en el tutor de Ishaan. Trata de mejorar la lectura y la escritura Ishaan utilizando técnicas correctivas desarrolladas por especialistas en dislexia; Ishaan pronto desarrolla un interés por el lenguaje y las matemáticas, y mejorar sus calificaciones. Hacia el final del año escolar Nikumbh organiza una feria de arte para el personal y los estudiantes. La competencia es juzgada por el artista Lalita Lajmi. Ishaan, con su estilo sorprendentemente creativo, es declarado el ganador, y Nikumbh el subcampeón, quien pinta un retrato de Ishaan. El director anuncia que Nikumbh ha sido contratado como profesor de la escuela de arte permanente. Cuando los padres de Ishaan se reúnen con sus maestros en el último día de clases, quedan sorprendidos por la transformación que ven en él al escuchar los comentarios. Lleno de emoción, el padre de Ishaan agradece a Nikumbh, e Ishaan se da la vuelta y corre hacia Nikumbh a abrazarlo para agradecerle, antes de irse con sus padres. La película termina con una imagen congelada de tiro de Ishaan Nikumbh lanzando al aire.att.MIRIAM

 

Enlace de la Película: https://www.google.co.ve/webhp?sourceid=chrome-instant&ion=1&espv=2&ie=UTF-8#q=ESTRELLAS+EN+LA+TIERRA

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Taare_Zameen_Par

Imagen: http://www.blogbonniebee.com/wp-content/uploads/2015/11/taarezameenpar_6680.jpg

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Película: El Maestro, con Claudio Santamaría y Nicole Grimaudo

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“El maestro”: en 1946, Alberto Manzi acaba de regresar de la Guerra y está buscando un trabajo como maestro, pero para él, aspirante a docente sin recomendación alguna, no es tarea fácil. Finalmente encuentra un trabajo como profesor de los niños y jóvenes que nadie acepta: los de un reformatorio de la Ciudad. A los pequeños no les interesa aprender ni le ven la utilizad, pero el maestro logra ganarse su confianza día a día y ellos acaban por confiarle sus sueños y sus verdaderas historias.

Link: http://decine21.com/peliculas/el-maestro-32384

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Película. El color del paraíso

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Autor de la Reseña: Enrique Martínez-Salanova Sánchez/ Fuente: http://www.uhu.es/

El color del paraíso. Rang-e khoda/The color of paradisecolor00

  1. Irán. 90 min.

Dirección y guión: Majid Majidi.

Producción: Mehdi Karimi.

Música: Alireza Kohandairi.

Fotografía: Mohammad Davoodi.

Montaje: Hassan Hassandoost.

Interpretación: Mohsen Ramezani (Mohammad), Hossein Mahjub (Hashem), Elham Sharim (Hanyeh), Farahnaz Safari (Bahareh), Mohammad Rahmaney (Maestro), Zahra Mizani (Maestra), Kamal Mirkarimi (Decano), Morteza Fatemi (Carpintero), Masoomeh Zainati (Mujer joven), Ahmad Aminian (Padre de la mujer joven), Behzad Rafeiey (Maestro del pueblo), Johnali Khorami (Aldeano).

 

 

 

 

 

Sinopsis. Mohammad es un chico ciego de ocho años de edad que ha aprendido a ver con el tacto y el oído yque estudia en un instituto especial en Teherán, donde aprende braille. Cuando llegan las vacaciones de verano regresa a su pueblo natal con su padre, sus dos hermanas y su abuela. Mohammad es un muchacho muy sensible y gran amante de la naturaleza. A pesar de ser una persona increíblemente adorable, cuya generosidad, su amor sincero y su afán por aprender contrastan con la vida temerosa y egoísta de su padre, un carbonero enviudado cuya obsesión por casarse de nuevo y asegurarse a alguien que le cuide en su ancianidad le llevan a buscar cómo desprenderse de su hijo, al que considera un estorbo y una maldición de Dios.

El alejamiento de su padre marca las vacaciones de Mohammad en su preciosa aldea perdida en las tierras altas del norte de Irán. El niño intenta ganarse a su padre, mientras disfruta de los parajes naturales y del cariño de sus dos hermanas y de su abuela, una mujer trabajadora, vitalista y religiosa.

 

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El sentimiento de marginación de Mohammad

«Nadie me quiere ¿sabe? Ni siquiera mi abuela. Todo el mundo se aleja de mí porque soy ciego. Si pudiera ver podría ir a la escuela del pueblo con los otros niños. Pero como no puedo ver tengo que ir a la escuela para niños ciegos en el otro extremo del mundo. Nuestro profesor dijo que Dios ama a los ciegos porque no pueden ver y yo le dije que si fuera así no nos habría hecho ciegos, para que pudiéramos verlo a él. El me contestó, Dios no es visible está en todas partes,  puedes sentirlo cerca, lo ves a través de la punta de los dedos. Ahora tiendo las manos por todas partes buscando a Dios hasta que pueda tocarlo y pueda contarle todos los secretos de mi corazón».

Su condición de ciego le permite una habilidad especial para escuchar y leer la naturaleza. Así oye hablar a al pájaro carpintero con su pico, lee con las puntas de su dedos en las piedras del río y en las espigas. Así ha aprendido especialmente a especialmente a escuchar y a tocar. También ha aprendido a ver con el corazón. Especialmente las escenas de encuentro con su abuela en la distancia. En su sufrimiento (presentado con lágrimas) es capaz de la alegría.

Hay tres parábolas escondidas en la película. La de una cría de pájaro a la cual Mohammad salvará llevándola con esfuerzo al nido. Hay un pez que colea fuera del agua al que la abuela, a pesar de sus dificultades, se para para rescatar. Pero también aparece una tortuga atrapada ante la cual el padre pasará de largo. La salvación supone que en la debilidad una mano que viene de fuera nos salva para llevarnos al nido a al agua de vida. ¿Qué mano aparece aquí salvando al pequeño Mohammad?

(Tomado de una unidad didáctica del profesor Peio Sánchez)

Educación para todos: la inclusión de los niños con discapacidad

Unos 40 millones de los 115 millones de niños que no asisten a la escuela son niños con discapacidad. La gran mayoría tiene impedimentos moderados que no suelen ser evidentes a simple vista ni de fácil diagnóstico, e incluyen aquellos con dificultades de aprendizaje, problemas de dicción, físicos, cognitivos, sensoriales y emocionales.

Es muy común que los niños discapacitados no hayan asistido nunca a la escuela. Un informe de 1991 realizado por el Relator de las Naciones Unidas sobre Derechos Humanos y Discapacidad afirma que al menos una de cada 10 personas en la mayoría de los países vive con una limitante física, cognitiva o sensorial (sordera o ceguera). Se cree que menos de 5 por ciento cumple con la meta de la iniciativa Educación para Todos en cuanto a completar la educación primaria. Es posible que ésta cifra esté aumentando debido a las situaciones mundiales de creciente pobreza, conflictos armados, trabajo infantil, violencia y abuso sexual y VIH/SIDA. Puesto que estos niños forman parte de una unidad familiar, se estima que al menos 25 por ciento de la población mundial se ve directamente afectada por la discapacidad.

La discapacidad puede ser el factor por el que más se excluye a niños de la educación; esto significa que el objetivo de la iniciativa Educación para Todos no se podrá cumplir simplemente haciendo más de lo que ya estamos haciendo. Accolor01ercarnos al cumplimiento total de esta meta requerirá nuevas estrategias para llegar a estos niños.

(Tomado del artículo Educación para todos: la inclusión de los niños con discapacidad, de Susan Peters, Profesora Asociada en la Facultad de Educación de Michigan State University en East Lansing, Michigan, publicado en la serie Education Notes nº 86, febrero de 2006, UNESCO).

 

Fuente de la Reseña:

http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temaselcolordelparaiso.htm

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Reseña de la película: Men, Women & Children: apropiación de tecnologías digitales y subjetividades. Director: Jason Reitman

Reseñas

Mauro Travieso

Universidad Nacional de La Plata, Argentina

Cita sugerida: Travieso, M. (2015).[Reseña de la película Men, Women & Children: apropiación de tecnologías digitales y subjetividades]. Archivos de Ciencias de la Educación, (9). Recuperado de http://www.archivosdeciencias.fahce.unlp.edu.ar/article/view/Archivos09a13.

La presente reseña tiene el propósito de analizar el film «Men, Women & Children” 1para contribuir con la reflexión sobre la construcción de subjetividades a través de la apropiación de tecnologías digitales. El film norteamericano fue estrenado en el año 2014, bajo la dirección de Jason Reitman2 Fue producido porRight of Way Films y distribuido por Paramount Pictures. Está basado en la novela homónima del escritor Chad Kultgen3 y narra historias de jóvenes y adultos de las sociedades occidentales contemporáneas.

La película presenta una serie de historias de vida de jóvenes y adultos que se entrecruzan a lo largo del film para dar cuenta de cómo las tecnologías impactan en las vidas de las personas y en sus relaciones con los otros. Destacaré algunas historias que según mi opinión son las que vertebran el film. La primera de ellas tiene como protagonista a una madre que mantiene un sitio de internet con fotos de su propia hija buscando diversas maneras de hacerla famosa. La segunda historia trata sobre una adolescente que sufre de anorexia y que recurre a comunidades virtuales que alientan estereotipos de belleza asociados a la delgadez. Por otro lado, una pareja busca acompañantes sexuales en la web atravesados por una crisis en su matrimonio. Mientras tanto, su hijo es consumidor de pornografía y el padre aprovecha su historial web para encontrar a su acompañante. Asimismo, una madre rastrea las participaciones de su hija en la web a través de una vigilancia permanente. El “cuidado” de su hija la ha llevado a «interceptar» todas sus cuentas en redes sociales virtuales y hasta la propia mensajería de sus dispositivos móviles. Cada noche esta madre imprime todo lo enviado y recibido en tales dispositivos y cuentas para poder leer y » revisar» qué es lo que está haciendo su hija. Paralelamente, su hija vigilada se encuentra en una relación con un adicto a los videojuegos de simulación con padres divorciados. Este adolescente mantiene el vínculo con su madre a través de la red social virtual Facebook (sólo leyendo lo publicado por su madre pero no respondiendo).

La navegación en sitios para adultos para encontrar acompañantes, la participación en redes sociales virtuales para “combatir la tentación de la comida”, la creación y mantenimiento de un sitio para alcanzar la fama, la vigilancia en las redes, entre otras situaciones que muestra el film, son apropiaciones4 de las tecnologías digitales que los protagonistas de las historias realizan, germinando prácticas difícil de catalogar (Sibilia, 2008) no como «perjudiciales» o «favorables» según los usos de las personas, sino como apropiaciones atravesadas por tecnologías que portan en sí mismas valores, ideologías y efectos que no pueden ser considerarse «ingenuamente» no previstos desde la técnica (Barrios, 2012).

Debemos comprender que las participaciones en el mundo virtual rehacen las relaciones de las personas con el mundo. No es cuestión de ponerse y quitarse máscaras (llamados perfiles de usuario virtuales): cada vez que estos jóvenes y adultos acceden a Facebook, Twitter, Tumbrl, Whatsapp, Line, Instagram, Twenti, Pinterest, Google Plus, Wechat, Line y a la web, están resignificando sus modos de ser y estar en el mundo (Broncano, 2011), ya no físico como opuesto a lo virtual sino ambos siendo parte de “lo real”. El acompañamiento a través de la comunidad que recibe la joven que sufre anorexia reafirma y realienta el sostenimiento de esas conductas. La joven recibe consejos en la web mientras huele un pastel de papas comiendo apio para superar esa “crisis de tentación”. También la esposa que sostiene una relación virtual (real) con un hombre hasta los posteriores encuentros físicos resignifica sus relaciones. La escena del motel ilustra la incomodidad que tiene ella al encontrarse ante este aparente desconocido. También lo hace su marido al encontrarse con una mujer en un hotel. El adolescente adicto a los videojuegos modifica su vínculo con su madre cuando lee su muro en Facebook y la encuentra disfrutando felizmente de «otra» vida sin él.

El culto a la imagen y la sobre exposición de los cuerpos para alcanzar la fama, llevan a madre e hija a mantener el sitio web. El esposo mira (y luego se contacta) a una mujer por streaming que sabe que está siendo observada. Y en esta situación el voyeurismo moderno (Wacjman, 2010) cobra significado. Estos protagonistas se han vuelto una raza de voyeristas modernos que necesitan ver, ver todo el tiempo todo. Videocámara, televisión y computadora permiten a las personas extenderse y llegar a donde antes no se llegaba con el ojo físico humano. Las webcam se vuelven extensiones maquínicas del ojo, prótesis de la mirada en donde se devuelven y cosifican ellas, fetichizando la imagen (Wacjman, 2010). Herramientas atractivas y seductoras para quienes «consumen» estas tecnologías sin reflexionar sobre ellas, que logran exponer la propia intimidad en las vitrinas globales de la red (Sibilia, 2008).

Otra cuestión a analizar en estas historias es la necesidad de estas personas de estar comunicadas (y conectadas) como un acto indispensable (Winocur, 2009). La escena nocturna de la madre leyendo en soledad hasta último momento los historiales de su hija y diciéndole “estás libre de depredadores”, un encuentro entre amigas que tienen simultáneamente charlas físicas y virtuales (por una aplicación de chat), son claros ejemplos de las refuncionalizaciones simbólicas que las personas hacen de las TIC. La relación con Internet y el móvil es un escenario simbólico constitutivo de nuevas formas de sociabilidad en su carácter existencial más que instrumental. Analizar este carácter existencial que adquieren los dispositivos móviles permite considerar a los estudiantes que circulan por una institución educativa conectados y comunicándose a través de sus dispositivos móviles, a la adolescente vigilada, a la madre vigiladora y a los jóvenes que filman la pelea en la escuela para viralizarla, como cyborgs, desde su concepción más amplia. Los cyborgs, aquellos seres compuestos de elementos orgánicos y dispositivos cibernéticos, no son seres inacabados que necesitan de la técnica para completarse, sino que son producto de ella (Broncano, 2009). Un individuo protésico ya no entendido como aquel que necesita de muletas sino como el que requiere de la intangibilidad del mundo digital.

A través de estas apropiaciones que los protagonistas del film realizan, van conformando nuevas subjetividades, entendidas como formas de ser y estar en el mundo, que necesariamente son (embodied), encarnadas en un cuerpo y embedded, (embebidas) en una cultura intersubjetiva (Sibilia, 2008).

Llegando al final de esta reseña, me pregunto ¿cómo podemos los educadores dar pistas a las personas sobre cómo ser » buenos» participes (según los valores y creencias de cada sociedad) del mundo virtual? ¿De qué forma podemos desde las instituciones educativas acompañar la construcción de dichas subjetividades que desnaturalicen, desmitifiquen, deconstruyan ciertas prácticas y participaciones? ¿Cómo podemos contribuir para equipar a las personas con herramientas de discriminación y comprensión, habilidades, actitudes y valores que les permitan desarrollar una lente critica para » mirar» las apropiaciones que realizan de las TIC? Ya que a todos, retomando a Sibilia (2008), nos incumbe “la importante tarea de inventar ‘nuevas armas’, capaces de oponer resistencia a los nuevos y cada vez más astutos dispositivos de poder: crear interferencias e interrupciones, huecos de incomunicación, como tentativa de abrir el campo de lo posible desarrollado formas innovadoras de ser y estar en el mundo» (Sibilia, 2008, pág. 13). Espero que esta reseña permita reflexionar y generar preguntas en torno a la construcción de subjetividades y la apropiación de tecnologías en sociedades contemporáneas.

Notas

1 Véase página oficial del film http://www.menwomenchildrenmovie.com/ [Consulta 17/11/15]

2 Director de cine canadiense. Entre sus films: Una Vida en Tres Días, Young Adult, Up in The Air y Juno

3 Escritor estadounidense y autor de obras como The Average American Male y The Lie.

4 Distingo a la dotación de dispositivos de la apropiación. La dotación es el equipamiento, el acceso a los dispositivos. La apropiación de tecnología está relacionada con la apropiación cognitiva, de hacer propia una/s herramienta/s acompañada/s de un conocimiento tecnológico, de adoptarlas; de la posibilidad de transformar, crear o recrear las existentes (Fainholc, 2000) según fines, valores, mentalidades, creencias, concepciones teóricas, etc.

Referencias bibliográficas

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