América del Sur /Venezuela/ Agosto del 2016 / noticias/http://noticiaaldia.com/
El retumbar de los tambores de chimbagueles estremeció la sala Simón Bolívar del Centro de Acción Social por la Música, sede del Sistema de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, fundado por el Maestro José Antonio Abreu, y dio inicio a un concierto histórico en el que El Sistema Zulia presentó el repertorio de la producción discográfica Somos.
Una travesía mágica por nuestras raíces regalaron a los asistentes durante hora y media los músicos de la Orquesta Latinocaribeña del Zulia; la Orquesta de Vientos José Luis Paz; la Orquesta Típica Don Ciro Adarme y el coro Niños Cantores Zulianos. Con la participación de 45 integrantes del Núcleo Orquestal y Coral Metro de Maracaibo.
La destreza de los más pequeños fue ovacionada por el público, que apreció los más diversos géneros musicales en piezas clásicas e inéditas como Aquel Zuliano, Descarga Latina, Los Amores de Roquito, Serendipia, Taboga, La Bajada de la Virgen, Déjala Bailar y dos suites de cantos añú y de gaita de tambora. Además de una versión “venezolanizada” de El Capricho de Paganini número 4.
“Me siento muy agradecido, muy feliz por estar en este escenario donde se presentan grandes músicos, como Gustavo Dudamel”, contó sonriente Regino Burgos, que junto a María Andreína Briceño y Camila Rutigliano, participaron como cantantes.
María Andreína aseguró estar muy emocionada por el primer disco de El Sistema Zulia, impulsado por los maestros Pedro Moya, director académico de El Sistema Zulia, y Mayneth Espina, director del Núcleo Alma Llanera de Santa Rosa de Agua.
“Nosotros grabamos en octubre y ahora estamos presentándolo aquí en Caracas. La Orquesta Latinocaribeña es relativamente nueva, apenas tiene un año y esto es un éxito. Una recompensa a nuestro trabajo”, detalló.
A esta vivencia Camila agregó “esto es muy bonito. Aprendimos de esta experiencia que todo se puede. No esperaba viajar fuera del Zulia y hoy estoy aquí”. Como ella, Fernando Bracho, percusionista, afirmó que “es un trabajo de todos, que implica mucho esfuerzo y sacrificio. Le doy gracias al Núcleo Metro porque al darnos esta oportunidad podemos compartir nuestra música”.
Tocar y luchar
“La Fundación Musical Simón Bolívar es una de las mejores cosas que suceden en el país y desde Metro de Maracaibo los respaldamos permanentemente porque creemos en las oportunidades de crecer, de desarrollarse y de expresarse que tienen los miles de jóvenes y niños que pertenecen a El Sistema”, enfatizó el presidente de la Empresa Socialista Metro de Maracaibo, Rafael Colmenárez.
“Estamos felices y orgullosos porque nuestros niños y jóvenes son reconocidos a través de este disco, que es una muestra del trabajo que día a día realizan junto a sus maestros. Vamos a seguir apoyándolos, porque El Sistema pone en grande lo que es ser venezolano”, aseveró.
Para Eduardo Méndez, director Ejecutivo de Fundamusical, “es un orgullo para el Sistema Nacional de Orquestas contar con la presencia de esta maravillosa delegación de El Sistema Zulia, un talento que no tiene límites. Más allá de un disco, es un sentir de todo un grupo que ha sabido capitalizar esa entrega. Nos vemos complacidos por el trabajo hecho, que nos compromete más”.
Destacó el desarrollo del Núcleo Metro que “ha sido vertiginoso, de haberlo visto desde sus inicios a lo que hay hoy en día, es realmente algo importante. Se nota el apoyo y la pasión para alcanzar lo que se ha logrado”.
Rubén Cova, director regional de El Sistema Zulia, apuntó que “el Núcleo Metro ha sido cuna de la Orquesta Latinocaribeña y de otras manifestaciones que convergieron en este concierto. El Núcleo Metro es el centro de esta actividad, a la que se suman otras agrupaciones”.
Mostró su satisfacción por ser la primera vez que una orquesta y coro zuliano se presenta en este escenario: “Hace años comenzamos de cero y están tocando en la sala más importante de Latinoamérica. Eso envía un mensaje muy poderoso de la oportunidad que tienen todos los niños y jóvenes de acercarse al Metro de Maracaibo para poder hacer música”
Los alumnos del conservatorio Ataúlfo Argenta de Santander han ofrecido un concierto en el Instituto Cervantes de Tokio, dentro del programa de su viaje de intercambio con el Meitoku College de Chiba, al este de la capital japonesa.
Ésa es la tercera edición de este intercambio musical España-Japón, que surgió a raíz del terremoto y tsunami de 2011 en el país nipón, y que trata de buscar nexos de unión y distintas formas de ver y sentir la música y la vida entre dos culturas muy diferentes.
El Instituto Cervantes de Tokio ha sido el lugar elegido, un año más, para simbolizar esta unión cultural entre los dos países, España y Japón, con un espectáculo en el que han participado jóvenes de ambos centros y que ha incluido música, canto y danza.
El programa del concierto ha recogido obras de Philipp Telemann, Rachmaninov, Waldman, Grieg, Offermans o Gen Akashi.
El Instituto Cervantes es una institución creada en 1991 para promover, enseñar español y difundir la cultura de España y de los países hispanohablantes.
Está presente en cuatro continentes con más de 70 centros, entre los cuales destaca el Instituto Cervantes de Tokio, el más grande del mundo, que inició su actividad en 2007
Eurpa/Francia/Julio del 2016/Novedades/www.elnortedecastilla.es
María Jesús Gutiérrez
El Requeteverano desde Sequeros vuelve a la Sierra de Francia de manos del Centro Multifuncional León Felipe -gestionado por la Asociación Civitas-, en colaboración con el Ayuntamiento de Sequeros, los Circuitos Escénicos de la Junta de Castilla y León y Asam a través de su programa de animación infantil financiado por CAS y MTAS.
Y regresa un verano más con una intensa programación escénica y de animación lúdica y educativa infantil que, aunque se llevará a cabo en el municipio de Sequeros, está dirigida a los habitantes de toda la Sierra de Francia, veraneantes y visitantes.
Así, durante cuatro semanas, todos aquellos que lo deseen podrán disfrutar de cuatro funciones escénicas, además de un programa específico de actividades lúdicas y educativas para niños de 4 a 12 años, que se desarrollará la última semana de este mes de julio y la primera de agosto, con propuestas de talleres, actividades de expresión y trabajo en grupo.
En total, según explican desde la Asociación Civitas, serán cuatro compañías profesionales las que participen este verano en el Requeteverano desde Sequeros procedentes de la capital charra, Burgos, Zamora y Huesca. En su conjunto, se han planificado un total de nueve jornadas de actividad cultural en apenas veinte días, del 16 de julio -festividad del Carmen- al 6 de agosto.
Hay que destacar, como recalcan los miembros de Civitas, que «el Requeteverano tiene como objetivo dinamizar la vida cultural y social de Sequeros y los pueblos de su entorno durante el periodo estival». Se trata de una programación que en su última edición, 2015, participaron 1.500 espectadores.
El lugar elegido para las actuaciones será el mismo que en ediciones anteriores, la plaza de la Iglesia de Sequeros; la hora, las ocho de la tarde, cuando el calor ya no aprieta y permite a públicos de todas las edades, principalmente familiar, acudir a estos espectáculos; y los días, cuatro sábados consecutivos.
El programa elaborado se iniciará el día 16 con la actuación de la compañía Chiribamba Animación, que pondrá en escena ‘Encantacuentos’. Se trata de una compañía procedente de Béjar, que presentará un espectáculo de títeres y cuentos especialmente adecuado para público infantil, en el que combina números de magia, juegos y otras sorpresas.
Una semana después, el sábado 23, será el turno del mago Miguelillo con su espectáculo ‘¡Olé!!’. De esta forma, Miguelillo vuelve a Sequeros con uno de sus últimos espectáculos de magia y humor para todos los públicos, con su habitual desparpajo. Miguelillo es una compañía actualmente afincada en Zamora y que pasa por ser una de las principales de magia y humor de la Comunidad de Castilla y León.
Producciones Viridiana tomará el relevo el sábado 30 con ‘En la cadiera’, que será «el espectáculo más destacado de El Requeteverano», explican desde Civitas. Se trata de un «montaje de canciones populares, títeres y cuentos de ayer, para todas las edades (recomendado a partir de 6 años), con el que la veterana compañía Viridiana Producciones recupera el alma de los contadores de historias y nuestras raíces populares». En escena se dan cita dos divertidos solterones que mantienen viva una de las últimas casas habitadas del pueblo: gracias a su ingenio conseguirán encontrar alrededor de la cadiera (banco tradicional de la cocina aragonesa), suficientes enseres con los que ayudarse para contar más de una docena de historias, siempre con la ayuda del laúd, la guitarra o la turuta.
Por último, el sábado 6 de agosto el grupo Kicirke llevará hasta Sequeros desde Burgos la obra ‘El Comediante’, «su espectáculo unipersonal de teatro y circo», que es, en definitiva, un compendio de habilidades circenses de malabares y equilibrios, con altas dosis de humor.
Africa/Uganda/Julio de 2016/Autora: Julia Baum/Fuente: The Mercury News
RESUMEN: Inspirado por las actuaciones del Coro de Niños Africanos con audiencias alrededor del mundo durante más de tres décadas, el 13 de julio el grupo se puso en un concierto gratuito en Crossroads Bible Church en el barrio de Burbank de San José. El grupo, formado por niños pequeños, desde más de media docena de países africanos empobrecidos, recientemente realizó una presentación ante la Reina de Inglaterra y ha compartido escenario con Paul McCartney, Mariah Carey y otros artistas de grabación.
Como parte del programa educativo de la música con sede en Uganda para la Vida, el coro en sus giras ha recaudado fondos para proporcionar oportunidades educativas para más de 52.000 niños en África desde 1984. El acceso a la escolarización de un solo niño que vive en la pobreza puede tener un efecto dominó en sus familias, dijo el manager de coro Tina Sipps. «La educación es, junto a los alimentos, su necesidad percibida mayor», dijo Sipps. «Así que realmente estamos tratando de educar a los hijos que podemos para que puedan cuidar de sí mismos y tal vez incluso proporcionar una educación para sus hermanos y hermanas.»
Inspirational performances by the African Children’s Choir have hit high notes with audiences around the globe for more than three decades, and on July 13 the group will put on a free concert at Crossroads Bible Church in San Jose’s Burbank neighborhood.
The group, made up of young children from more than half a dozen impoverished African countries, recently performed before the Queen of England and has shared the stage with Paul McCartney, Mariah Carey and other recording artists.
As part of the Uganda-based educational program Music for Life, the touring choir has raised funds to provide educational opportunities for more than 52,000 children in Africa since 1984.
Access to schooling for just one child living in poverty can have a domino effect on their families, said choir manager Tina Sipps.
«Education is, next to food, their greatest perceived need,» Sipps said. «So we’re really trying to educate as many children as we can so they can take care of themselves and perhaps even provide an education for their brothers and sisters.»
The role each past and present member of the choir plays in supporting that access is enormous because of the international exposure received.
«Each choir, they’re basically supporting 8,000 children back home,» Sipps said.
The donations pay for those children, including the choir members, to attend primary and secondary school; some older recipients even attend college or vocational school.
Sipps said although the variety of careers former choir members went on to achieve runs «quite the gamut,» including doctors, lawyers and engineers, most of them attended vocational school at some point. While college degrees are nice, she said, vocational skills are a must to find steady work back home.
«The majority of them get some kind of trade first because that’s what’s employable in those countries,» she said.
Some former choir members have ended up working for the African Children’s Choir, such as tour leader Eva Nalukwago. She toured with the group from 1995 to 1997 and attended one of Music for Life’s three schools in Uganda.
«It was a great opportunity for me,» Nalukwago said. «As I child, I went to the U.S. Canada, Europe and the U.K.»
Some vivid memories of those travels include visiting SeaWorld and Disneyland, and also spending Christmas in Canada, where she made snowmen for the first time.
«We don’t have snow back in Uganda,» Nalukwago said. «It’s something which as a child I enjoyed.»
Now she oversees the choir’s performances and coordinates their travel and show arrangements with various hosts and venues. It’s a dream job and leading the group comes naturally, says Nalukwago, adding she is happy to lead the next generation on their adventures.
«Growing up I loved to work with the children, I did music for six years,» she said. «Working with the organization just fills me up. Watching them grow…it’s something as an adult that I really love to do.»
The African Children’s Choir will perform at 7 p.m. on July 13 at Crossroads Bible Church, 1670 Moorpark Ave. Performance is free but donations are encouraged.
Fuente: http://www.mercurynews.com/san-jose-neighborhoods/ci_30090120/globe-touring-african-childrens-choir-takes-stage-san
Fuente de la foto: http://www.redding.com/news/local/african-childrens-choir-makes-a-stop-in-redding-36c36945-811e-131e-e053-0100007fefc4-385395081.html
Nathan Solis/Record Searchlight The African Children’s Choir stopped in Redding on Sunday as part of a tour throughout the United States. The children performed the song «This Light of Mine» at the First Christian Church in Redding.
El próximo 13 de julio la Academia de Canto Mariana de Gonitch realizará en la sede de la Casa del Alba el concierto Fidel es Cuba, dedicado a los 90 años del líder de la Revolución cubana, Fidel Castro, anunció su director Hugo Oslé.
Estos conciertos han ocurrido los días 13 de cada mes en honor al líder de la Revolución cubana, que el próximo 13 de agosto cumplirá 90 años. Hasta el momento, lugares de esta capital como el Museo de la Revolución, el Instituto Cubano de Amistad con los Pueblos, la sala teatro Hubert de Blanck y el Cristo de La Habana han sido escenarios del homenaje lírico titulado “Fidel es Cuba”.
Cantar en tributo a Fidel constituye un momento de sumo placer para los jóvenes, aseguró Oslé y adelantó que el conjunto interpretará obras patrióticas y latinoamericanas, entre ellas La plegaria a un labrador, Alma llanera, El día que me quieras y El sombrero azul.
Además, ese día se entregará el premio del concurso de interpretación de la canción patriótica Sara González, que que rendirá homenaje a la desaparecida cantautora.
Según Oslé el colectivo ofrecerá el 14 de julio conciertos en el teatro Lázaro Peña y en la Plaza de Armas, el primero dedicado a los asaltantes de los cuarteles Moncada y Carlos Manuel de Céspedes, y un tercero, el 22 de ese mes, en saludo al aniversario 63 del 26 de julio.
(Con información de ACN)
«Todas las formas de la Autoridad (humana) tienen en común que permiten ejercer una acción que no provoca reacción, porque quienes podrían reaccionar se abstienen consciente y voluntariamente de hacerlo (…)” (Kojeve, 2005).
El preludio del film comienza en una pequeña habitación que supone ser una sala de ensayo del prestigioso conservatorio Shaffer, que en la ficción presume ser la institución de formación musical en Jazz más importante de los Estados Unidos. El sonido de un redoble de tambor que se intensifica conforme avanza la imagen hacia el interior de la sala, introduce la tensión entre la grandeza y la perfección, constante en toda la trama de la película. En la habitación, un joven de 19 años llamado Andrew Neiman (Miles Teller) practica golpes de tambor, obsesionado con ser el mejor baterista del mundo. A continuación el célebre y mítico profesor y director de orquesta Terence Fletcher (J. K. Simmons) entra en escena y pide al muchacho que ejecute la batería en un «tempo» (velocidad a la que se ejecutan las piezas musicales) determinado. Con la emoción de ver en persona a tal prestigiosa figura del Jazz y la aparente intención de sorprenderlo, cumple la orden tratando de no cometer ningún error en el intento. El profesor lo detiene en sucesivas ocasiones para darle indicaciones, pero luego de varios golpes y unos pocos segundos, el alumno levanta la mirada y éste ya no se encuentra en la sala.
Al cabo de unos pocos días Andrew es invitado por Fletcher a participar de la orquesta principal del instituto, en la cual él es director. A partir de este momento se arma la trama y el joven Andrew comienza a construir el sueño de ser un nuevo genio del Jazz, en el que pagando con sudor, lágrimas y sangre, experimentará un sin número de traumáticas vejaciones por parte de su profesor que pretende llevarlo más allá de todo límite y que lo dejarán al borde de la muerte.
El nombre de la película «Whiplash» hace alusión a una compleja obra de Jazz que realiza la orquesta principal de Shaffer y que el protagonista aprende de memoria durante una larga noche de práctica compulsiva y lacerante (ya que termina con los dedos lastimados y cubiertos de sangre) para conseguir el puesto de baterista titular. Se pueden inferir otros sentidos sobre el titulo, porque en inglés la palabra significa: «latigazo cervical» o bien «traumatismo cervical» y este detalle podría estar representado en una escena donde Andrew, en su afán de llegar a tiempo al concierto y en su ciega obsesión de ser tenido en cuenta por su maestro, sufre un accidente automovilístico que pudo haberlo matado.
La música es una forma elegante de vestir la trama, porque aunque sea una constante en todas las escenas, Whiplash no es una película sobre el Jazz. Entre los temas centrales se encuentran, la obsesión, la relación maestro-alumno, la autoridad, el afecto magisterial y el método.
El profesor Terence Fletcher pretende con su método encontrar «el talento», un nuevo fuera de serie como lo fue Charlie Parker (saxofonista considerado uno de los mejores músicos de la historia del Jazz) y presupone que surgirá tras la superación de sus más exigentes y denigrantes pruebas. Explicita que la desmotivación, el desaliento y la renuncia, son el signo evidente de la ausencia de genialidad. De esta manera maltrata y atemoriza a todos los estudiantes de su orquesta, descartando a todo aquel que evidencie una mínima actitud de renuncia.
Una variable primordial de la película es el tiempo como instrumento de control, no solo en términos de «tempo» de la clásica métrica cuaternaria tocada en tresillos que siguiere el Jazz, sino del propio «tempo» del profesor. Fletcher se adueña («ese no es mi tempo») y lo administra a cuenta gotas ordenando a los alumnos a interpretarlo y ejecutarlo según lo que él considera «la perfección». Desde el inicio hasta el final de la historia, el profesor establece con efectiva minuciosidad el tiempo de cada evento, luchando y arriesgando todo por conseguirlo.
Su método de enseñanza, en el cual el fin justifica los medios y en el que incluye no solamente la violencia verbal sino también física, demuestra que está dispuesto a cualquier cosa para conseguir que los alumnos logren lo que él desea. Solo él sabe qué, cómo y cuándo se debe ejecutar cada nota y hace de ese saber/incógnita (el tiempo indicado) el fundamento de su autoridad. En la película aparece con frecuencia la historia (ficticia) de que Charly Parker comenzó a ser virtuoso a partir de superar un evento desafortunado en el que , durante un concierto, el famoso baterista Jo Jones (Jonathan David Samuel Jones) quien en ese entonces era maestro de Parker, le arrojó un platillo de batería, lastimándole el cráneo. Luego del mencionado evento, relata Fletcher, el joven estudiante de batería lloró toda la noche, pero luego estudió intensamente durante un año, para volver a tocar con Jones y brindar al público «el mejor solo de saxo que el mundo haya oído». Este mito al que Fletcher recurre para ejemplificar su particular forma de enseñar, sirve como argumento/refuerzo de que para llegar al éxito es necesario ser capaz de superar cualquier dolor.
Es posible inferir algunos fundamentos pedagógicos (sobre todo el de la función del maestro) que movilizan al profesor, a través de una magnifica escena preliminar al desenlace del film, en la cual Fletcher mantiene una conversación con Andrew, planteando que si Jo Jones hubiese sido condescendiente con Parker, alentándolo a continuar en lugar de presionarlo, tal vez la humanidad se hubiese perdido al mejor saxofonista de la historia. Menciona que no hay dos palabras en el mundo más nocivas que «bien hecho» y que es una obligación del profesor hacerle notar a un estudiante que siempre hay más para aprender. Ante la explicación de Fletcher, Andrew pregunta por los límites y cuestiona el método, argumentando que tal vez el profesor está yendo demasiado lejos y que esto podría provocar que no aparezca un nuevo Charly Parker,pero el profesor insiste en que no hay límites porque el próximo Charly Parker no se desanimaría. «(…) El alumno renuncia a las reacciones contra los actos del Maestro porque piensa que este último ya se encuentra en el sitio donde él mismo solo llegará después: está adelantado con respecto a él.» (Kojeve, 2005).
Ante cada orden de Fletcher, el joven Andrew decide conscientemente reprimir su voluntad de reacción. Podría negarse a seguir siendo avergonzado y golpeado, podría hasta incluso abandonar el conservatorio, pero no lo hace. Posterga el placer (que para él pareciera encontrarse solo en la cima de la perfección) y se sumerge en un camino tortuoso de humillaciones de parte de un profesor que entiende a la música/Jazz como la exacerbación de la técnica y la repetición.
Andrew tiene un proyecto/previsión, de convertirse en el mejor baterista de Jazz que el mundo haya conocido, al cual subordina toda posibilidad de renuncia o reacción a la autoridad de su maestro. Una autoridad que también, hace las veces de Amo porque para el alumno toda posibilidad de reacción implica el riesgo de su vida (y de ninguna manera quiere aceptar ese riesgo). En pos de llegar a un sitio en el que considera que su profesor ya se encuentra, subordina lo humano a lo natural (a lo animal) y quedándose a merced de lo que el amo ordene, abandona toda idea de contradecirlo.
El vínculo pedagógico presente en toda la película, además de ser un claro ejemplo sobre los tipos de autoridad mencionados aquí y desarrollados en el trabajo de Kojeve. A (2005), es un interesante material de análisis para el estudio sobre los «afectos magisteriales» disponible en Abramowski. A. L (2010). En este caso, la relación entre el docente y el alumno, que se construye en el desarrollo de toda la película, permite observar un vínculo forjado en la ausencia total de afectividad docente, a un extremo tal que en ningún momento el alumno es reconocido como sujeto y por lo tanto tampoco como «sujeto de sentimiento». El alumno no es más que un objeto (descartable) para llegar al único objetivo aparente: «la aparición de un nuevo genio». El profesor, a través de sus intervenciones desconoce rotundamente la presencia de afectos que supone una práctica educativa e impulsa la enseñanza desde un polo más cercano a la representación del odio desproporcionado que a la del amor.
El joven protagonista encarna el papel de tantos otros personajes de la historia que se autodestruyen por la obsesión de llegar a un lugar reservado para pocos. Por ejemplo el propio Charlie Parker que dejó una obra increíble, pero murió solo y en bancarrota a los treinta y cuatro años de edad.
El placer que puede suponer la práctica musical no está presente en la película, salvo por unos pocos minutos promediando el final, en el cual se puede observar una aparente libertad en la interpretación y ejecución del «tempo», fruto de la renuncia y el desafío a la autoridad.
En síntesis, Whiplash invita a los espectadores a disfrutar, por el entramado de sus diálogos y sus excelentes tomas siempre bien acompañadas de una música increíble pero es, por sobre todo, una película donde el sufrimiento es un camino inevitable para todo aquel que desee mirarla hasta el final. El vínculo emocional de la relación de autoridad que se establece entre el maestro y el alumno es un verdadero suplicio, en el cual el sobrepaso de todo límite induce a quien la mire a imaginarse el más trágico de los finales.
Referencias bibliográficas
Abramowski, A. L., “Maneras de querer.Los afectos docentes en las relaciones pedagógicas”. Editorial Paidós. Cuestiones de Educación. Buenos Aires. Argentina, 2010.
Kojeve, A., La noción de autoridad. Nueva Visión. Buenos Aires. Argentina, 2005.
África/Zimbabwe/12 Junio 2016/Fuente:Thestandard /Autor:Winstone Antonio
Resumen: Nleya abrira una escuela de ingeniería de audio y tecnología en música a mediados de septiembre en Belvedere, Harare, para formar a los ingenieros de sonido, productores musicales, artistas y deejays.
LOCAL sound engineer Mbaki Nleya is set to open a school of audio engineering and music technology in September in Belvedere, Harare, to train sound engineers, music producers, artistes and deejays.
Speaking to The Standard Style last week, Nleya — the director of Shownation Entertainment and tutor at the Zimbabwe College of Music — said the institution’s mission is to help improve the quality of sound in the country, which he said was far below international standards.
«We have witnessed a lot of musicians and producers who come into the music industry, but some of them know the basics and we want them to improve on that,» Nleya said.
«The initiative came about after the realisation that there was need to advance and improve the quality of sound since most people are operating backyard studios.»
Meanwhile, Nleya, in partnership with Tendai Madau, has embarked on a project aimed at keeping studio engineers, music producers’ and artists abreast with the evolving technology by hosting a three-day workshop at Harvest House Church in Bulawayo.
«The project was aimed at improving the quality of sound in the country, which I believe is below the standards if we are comparing it to that of South Africa,» he said.
«We have conducted similar workshops in Mutare, Chiredzi, Gweru and Plumtree.
Nleya said they were encouraging musicians to be part of the programme.
«Most of our musicians record and leave it up to the producers and engineers to do everything, yet they should be in control of the process and decide how the final product would sound like,» Nleya said.
Fuente de la noticia: https://www.thestandard.co.zw/2016/05/29/nleya-open-school-audio-engineering/
Fuente de la imagen:http://www.thestandard.co.zw/wp-content/uploads/2016/01/mix.jpg
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