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Los beneficios de la educación musical

05 de Febrero 2017/Fuente y Autor: abcfamilia

El contacto cotidiano con la música, y mucho más aun su estudio, tiene múltiples beneficios para el desarrollo motriz e intelectual en edades tempranas. Sin embargo, la educación musical en España continúa siendo una de las asignaturas pendientes para muchos alumnos españoles. En Brains International Schools, institución educativa que promueve la creatividad artística y musical en todas las edades, la música forma parte significativa del plan de estudios.

La instrucción musical en los más pequeños ha tenido grandes resultados. Por ejemplo, tras dos años de educación musical los alumnos de corta edad tenían respuestas cerebrales más sofisticadas y un lenguaje más desarrollado que otros alumnos que no habían recibido esta formación.

Además, según un estudio la Universidad de Northwestern, el modelo de clase influye mucho en el aprendizaje y en la absorción de todos los beneficios por parte de los alumnos ya que los alumnos necesitan participar activamente en la clase. Asimismo, este estudio muestra una mejora en las capacidades de procesamiento neuronal de los mismos.

«La mejor manera de enseñar música es promoviendo que los alumnos se participen activamente de la clase, en un modelo en el cual se aceptan gozosamente los riesgos derivados de la creatividad, de la autonomía y apertura de pensamiento. El profesor será motivador, impulsor y coordinador en el proceso personal», asegura Mauricio Vuoto, director de la Escuela de Música de Brains International Schools.

Además, Mauricio Vuoto añade que desde el curso académico 2015/2016 la Escuela de Música de Brains International Schools es un centro autorizado de enseñanzas elementales de música en el que los alumnos tienen la posibilidad de cursar los cuatro primeros años del grado elemental de Conservatorio y obtener la titulación correspondiente.

Cinco beneficios de la instrucción musical

1. Refuerza la atención y la concentración. La música estimula áreas del cerebro que difícilmente se pueden ejercitar de otra manera. Aquellas personas que han tenido una formación musical tienen unas capacidades de concentración y atención a los detalles superiores a la media, así como una mayor voluntad para ser constantes y a seguir una disciplina en su día a día.

2. Incremento de la memoria y la creatividad. En el estudio de la música y/o de un instrumento musical se ponen en juego fundamentalmente tres aspectos: la memoria visual, la memoria muscular o gestual y la memoria auditiva, que interactúan en un complejo proceso intelectual. Este entrenamiento cotidiano contribuye a ampliar la memoria, ya aplicada a otros aspectos de la vida, permitiendo fijar los recuerdos, recientes o antiguos. Además, el estudio y escucha de la música potencian la creatividad y la agilidad mental, facilitando la solución de problemas de forma imaginativa.

3. Desarrollo de habilidades motoras y rítmicas. La audición musical guiada estimula el desarrollo de un conjunto de capacidades motoras en los más pequeños, que se ven incrementadas una vez el niño comienza a tocar un instrumento. La particularidad del estudio de un instrumento, con sus rutinas y ejercicios, ayudan a interiorizar y desarrollar una capacidad de coordinación que difícilmente se puede desarrollar de otra manera.

4. Incremento de la seguridad en uno mismo y facilidad para socializar. La práctica musical es un vehículo que puede incrementar la autoconfianza y contribuir en la solución de los problemas de falta de autoestima de los niños, especialmente durante la adolescencia. La práctica y progresos diarios, y el compartir la música con otras personas en conciertos y/o reuniones, refuerzan en el joven la seguridad en sí mismo y brindan la posibilidad de establecer nuevas amistades y relaciones.

5. Reduce el estrés. Muchos profesionales de la medicina prescriben escuchar música a aquellas personas que sufren de estrés y de ansiedad. Además, la música ayuda a generar endorfinas, la hormona de la felicidad. La música también mejora el desarrollo del área cerebral implicada en la motivación, el placer y la recompensa.

«La enseñanza de la música no se tiene que encasillar sólo en la música que normalmente denominamos clásica; la música popular contemporánea está llena de joyas de gran riqueza melódica, armónica, rítmica, etc. Debemos aprovechar esta posibilidad, que resulta por lo general muy cercana al interés los alumnos, a la vez que seducirles y motivarles al abordar las obras de los clásicos, poseedores desde luego de un gran valor musical y pedagógico», afirma Mauricio Vuoto, director de la Escuela de Música de Brains International Schools.

Fuente de la noticia: http://www.abc.es/familia/educacion/abci-beneficios-educacion-musical-201701290149_noticia.html?ns_campaign=gs_ms&ns_linkname=boton&ns_source=fb&ns_mchannel=abc-es

Fuente de la imagen: http://www.abc.es/media/familia/2017/01/25/nino-musico-kVJ–620×349@abc.jpg

 

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España: El PP exige a la Junta la mejora de la oferta de educación musical en la provincia

Europa/España/28 de Enero del 2017/Fuente: Diario La Vanguardia

El PP de Jaén exige que la Junta de Andalucía mejore la oferta de educación musical en la provincia y la «construcción urgente» de la sede del Conservatorio Superior Andrés de Vandelvira de la capital.

Lo hará a través de una de las mociones que el grupo ‘popular’ en la Diputación llevará al próximo pleno de esta Administración, según ha informado este jueves en una nota su portavoz, Miguel Contreras.

En ella, planteará que impulse los trámites para la construcción de la sede del Conservatorio Superior de Jaén y que garantice que las obras en la de la calle Compañía «supongan dar estabilidad para que el Conservatorio Profesional Ramón Garay consolide dicho edificio como sede de sus enseñanzas».

Por otro lado, demanda a la Junta la ampliación del Conservatorio de Música Reina Sofía de Bailén, así como a la construcción de un nuevo edificio que albergue y unifique los centros del Conservatorio Profesional de Música María de Molina, de Úbeda. De igual forma, solicita la implantación del Grado Medio de Música en el Conservatorio de Música Juan De Castro de Andújar.

«Jaén no puede seguir siendo una provincia de segunda, Jaén merece que la Junta de Andalucía inicie todos estos trámites de inmediato y haga una apuesta educativa tan necesaria en nuestra provincia», ha manifestado el portavoz del PP, quien ha añadido que son peticiones impulsadas por el profesorado, Ampas, alumnos, colectivos sociales, vecinos, instituciones y particulares a los que quieren dar voz».

En esta línea, ha explicado que con la segunda moción pretenden instar a la Consejería de Educación a otorgar carácter definitivo a las Enseñanzas Artísticas Superiores de Diseño Gráfico que se imparten en la Escuela de ArteJosé Nogué de la capital.

Según ha explicado, durante el curso 2012/2013, la Junta implantó de forma experimental en Jaén y en el resto de las provincias andaluzas las Enseñanzas Artísticas de Diseño impartiéndose la modalidad de Diseño Gráfico en la citada.

«Son 38 alumnos matriculados hasta la fecha en la Escuela de Arte ‘José Nogué’ a los que la Consejería de Educación de la Junta de Andalucía, ha decidido, sin consultarles, suprimirles estos estudios, frente a otros dos centros andaluces que sí seguirían impartiéndola», ha afirmado.

Ha señalado, además, que existen una serie de problemas para quienes ya han finalizado sus estudios, puesto que «al no ser reconocidos aún como Escuela Superior de Diseño no pueden expedir sus títulos y la primera promoción de diseñadores jiennenses aún no dispone de título oficial que acredite la formación recibida».

Dsiponible en la url: http://www.lavanguardia.com/vida/20170126/413725494494/el-pp-exige-a-la-junta-la-mejora-de-la-oferta-de-educacion-musical-en-la-provincia.html

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Bolivia acogerá II Congreso Internacional de Música

Bolivia/12 enero 2017/Fuente: Prensa Latina

Bolivia acogerá hoy (miercoles 11) y mañana en la ciudad de Cochabamba el II Congreso Internacional de Música con la participación de representantes de Chile, Perú, Ecuador, Argentina y el país anfitrión.
Entre los asistentes sobresalen profesores, estudiantes, expositores en música y profesionales de esta manifestación del arte.

Apoyado por el Ministerio boliviano de Culturas y Turismo, el evento tiene el objetivo de promover las expresiones culturales e interculturales de las organizaciones sociales.

Suscitar la investigación, mejorar la práctica de la educación musical e impulsar el desarrollo regional y nacional desde las experiencias vivenciales y científicas son otras de las metas del congreso.

La cita incluye además intercambios relacionados con la Pedagogía en educación musical, Ensamble musical, Vocal e instrumental, Taller de instrumentos musicales, Informática musical y Educación vocal.

El Auditorio Augusto Céspedes será la sede del evento que además prevé conferencias magistrales de renombrados investigadores.

Fuente noticia: http://www.prensa-latina.cu/index.php/component/content/?o=rn&id=55903&SEO=bolivia-acogera-ii-congreso-internacional-de-musica

Fuente imagen: http://miradainformativa.com/wp-content/uploads/2014/11/COMUNICADO-138.jpg

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Unesco: El método Kodály, aprender música no debe ser nunca un sufrimiento

12 enero 2017/Fuente: Semana

El sistema de enseñanza musical fue incluido recientemente en la lista de patrimonio inmaterial de la Unesco, pues facilita que estudiantes de primaria y secundaria conozcan, valoren e interpreten la música folclórica.

El aprendizaje de la música no debe ser un sufrimiento, sino un placer para los estudiantes, consideraba el compositor húngaro, Zoltán Kodály, cuyo sistema de enseñanza musical y de conservación de la música popular fue incluido recientemente en la lista de patrimonio inmaterial de la Unesco.

Para Kodály (1882-1967), la música popular, «que él y su contemporáneo, el también húngaro Béla Bartók (1881-1945), elevaron a la alta cultura», es uno de los valores más importantes que hay que conservar y que, al mismo tiempo, sirve de base para el aprendizaje musical, explica a Efe el presidente de la Sociedad Kodály, Mihály Ittzés.

En este sentido, la Unesco recientemente justificó la decisión de incluir el «método Kodály» en el registro de buenas prácticas de salvaguardia, pues «permite que los alumnos de la enseñanza primaria, secundaria y superior aprendan a conocer y valorar la música folclórica, así como a interpretarla».

«Kodály aseguraba que solo un verdadero material artístico, como la música popular, puede ayudar a los niños en el aprendizaje», agrega Ittzés.

Es que el compositor de obras como el coral «Psalmus Hungaricus» (1923) no solo observó con preocupación un cierto desgaste de la música popular en Hungría, sino también del nivel de la enseñanza musical en general.

Por eso desarrolló con sus colegas su sistema o método para hacer más fácil y menos académico el aprendizaje, partiendo de la idea de que los niños deben encontrarse con la música lo más pronto posible.

«El canto, la voz humana es el instrumento más importante: ofrece experiencias personales y colectivas», decían Kodály y sus discípulos.

En la práctica eso se traduce en que, desde el inicio de la escuela, los niños representan en las clases piezas musicales compuestas a base de cantos y costumbres folclóricos, una experiencia colectiva que sería el primer paso en el aprendizaje de la música.

«Es un juego, pero también un trabajo con el que podemos preparar nuestra mente a aceptar grandes obras», explica Ittzés.

Kodály, quien entre 1946 y 1949 dirigió la Academia de Ciencia de Hungría, decía que «lo académico puede venir después, primero el niño necesita experiencias musicales».

«Si alguien no tuvo esa experiencia entre los 6 y 16 años, más tarde será más difícil», recalca Ittzés.

 Una vez adquirida la capacidad de representar esas canciones, (pentatónicas, en el caso de la música popular húngara), los estudiantes aprenden a leer y escribir música, muchas veces tocando en instrumentos las mismas piezas con las que ya habían trabajado, pero también incluyendo obras de compositores.

El método también ofrece en esa fase posterior técnicas que facilitan el trabajo.

Kodály retomó, entre otros, el llamado «sistema de solfeo relativo», en el que las notas, dependiendo de la tonalidad, pueden cambiar el lugar siempre y cuando se mantenga la relación de los sonidos entre sí y no su valor absoluto, determinado por la frecuencia.

Hoy lo más probable es que cualquier niño que finalizó en Hungría la escuela primaria aprendió el solfeo con ese método.

«Todos aprendimos la música a través de este sistema. Para nosotros, los húngaros, es muy natural este relativismo», explica a Efe Emma (38 años), cantante de un coro que interpreta cantos populares y religiosos.

La reivindicación de Kodály de comenzar la enseñanza musical desde el primer nivel escolar se convirtió en una realidad después de la Segunda Guerra Mundial no solo en su país.

Desde la década de los 1960, el sistema se copió íntegramente en muchas escuelas de Estados Unidas, mientras que en Europa fue adaptado a las condiciones locales.

Ittzés subraya que tanto en la Península Ibérica, como en Argentina, Colombia, Chile, México y Brasil, hay iniciativas para utilizar este método.

No obstante, para el jefe del Departamento de Pedagogía de la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC), Ignasi Gómez, hay también dificultades.

«El método está pensado para la cultura húngara y es difícil de encajar en muchas culturas europeas», explica Gómez en conversación telefónica con Efe.

Aún así, el experto confiesa que él usa mucho el solfeo relativo y reconoce que recoger ideas, principios o propuestas que el método ofrece, es un aporte para mejorar el trabajo de los pedagogos musicales.

Otros métodos «se quedan muy en los inicios, en edades muy iniciales, mientras que el de Kodály es un método que puede seguir usándose perfectamente con 16 con 18 años», explica.

«Yo creo que globalmente es un método excelente, que permite que los chicos construyan de forma natural y organizada todo el conocimiento teórico-práctico», concluye el profesor de música.

Fuente:http://www.semana.com/cultura/articulo/metodo-kodaly-sistema-de-ensenanza-musical-patrimonio-inmaterial-de-la-unesco/511253

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Un director venezolano usa la música para integrar a jóvenes refugiados en Suecia

Suecia/10 noviembre 2016/Autor: Fuente: The New York Times

Ron Álvarez es un hombre acostumbrado a crear milagros. Una de sus pasiones es lograr que jóvenes sin educación musical puedan ejecutar, con solo breves semanas de preparación, composiciones clásicas como el “Himno de la alegría” de Beethoven, fragmentos de Mahler o piezas más movidas como el mambo y hasta un merengue.

“Siempre me he visto como un docente obsesionado por enseñar la belleza de la música”, explica este venezolano de 30 años que en junio creó la Orquesta de Sueños de El Sistema Suecia, una agrupación integrada por más de 25 jóvenes refugiados ubicados en la ciudad de Gotemburgo.

Álvarez fue formado en El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, una obra social y cultural del Estado venezolano con más de 40 años de experiencia en la creación de un exitoso método de enseñanza musical que favorece la integración de jóvenes de bajos recursos en Venezuela y ha inspirado el establecimiento de proyectos similares en más de 60 países del mundo.

“En la Orquesta de Sueños tenemos jóvenes de países en guerra como Afganistán y Siria, además de otros que provienen de naciones con problemas terribles como Eritrea o Albania pero todos ellos están unidos por el amor a la música que les ayuda a superar sus miedos y traumas”.

Mostafa Kazemi huyó de Kabul porque los talibanes, al verlo estudiando, varias veces amenazaron con matarlo; Fatima Moradi también salió de Afganistán por los peligros de la guerra y perdió a su familia en el peligroso cruce de la frontera con Irán; Smret Debay escapó de los enfrentamientos armados en Eritrea y atravesó mares y desiertos en una penosa travesía de un año hasta llegar a Europa; y Shadi Kheder tuvo que abandonar a toda su familia al huir del infierno bélico en Siria.

Todos son menores de edad y ahora, meses después de desafiar al destino y llegar a Suecia, forman parte de esta orquesta que tocará su primer concierto formal en Gotemburgo el lunes 24 de octubre, que es el día de la Organización de las Naciones Unidas.

“Estos chicos están acostumbrados a los sonidos de la guerra porque vienen de países donde las balas y explosiones pueden ser algo cotidiano”, explica Álvarez. Su rostro se ilumina de súbito cuando agrega: “Ahora me produce una enorme alegría saber que se enamoran de la música y disfrutan los sonidos nobles de las composiciones y los aplausos. Ya no se estremecen de miedo sino de alegría y eso es un gran cambio”.

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«Estos chicos están acostumbrados a los sonidos de la guerra», explica Álvarez. «Ahora me produce una enorme alegría saber que se enamoran de la música». Credit Cortesía de Lisa Thanner/El Sistema Suecia

¿Crees que la música puede cambiar la vida de personas que han sufrido tantas vicisitudes como los refugiados?

La música nos hace mejores personas, eso es un hecho comprobado desde hace siglos. Los refugiados merecen una vida mejor y la música les da esa oportunidad: les permite olvidarse por un momento de todo sus traumas y problemas. Es un proceso que los empieza a cambiar desde la primera clase y favorece su integración social porque mejora su confianza y les enseña un oficio del que se sienten orgullosos. No creo que todos van a ser profesionales, pero me basta con saber que esta buena experiencia los va a acompañar durante el resto de sus vidas.

¿Cómo diriges una orquesta en la que los músicos son jóvenes que hablan más de siete idiomas? 

Es uno de los grandes retos pero existen diversos métodos que nos ayudan a mantener la disciplina y lograr que aprendan. La mayoría entiende inglés y ellos mismos nos ayudan a traducir muchas de las instrucciones. Los chicos aprenden mientras ejecutan sus instrumentos y el acto de relacionarte físicamente con un violín o el cello va creando un compromiso que se fortalece con cada clase. Debo cuidar que me entiendan y por eso uso toda mi energía en mostrarles los movimientos que deben hacer, el ritmo que deben mantener y todo lo demás.

¿Qué diferencia a El Sistema de otros métodos musicales de enseñanza?

Para nosotros la orquesta de cualquier núcleo es un aula de clases. Ahí aprendes a leer música, armonía, a tocar un instrumento y a dirigir. En otras partes del mundo ves cada aspecto del oficio musical como una materia por separado, por eso el proceso es mucho más lento. En nuestros ensayos todo tiene una conexión teórica y práctica, es por eso que los alumnos responden tan bien y se enamoran del método que, además, cabe destacar que se amolda a cada cultura y país.

¿Cómo logran que jóvenes sin conocimientos musicales toquen junto a los alumnos más adelantados sin que eso afecte el desempeño de la orquesta?

La secuencia repertorial es uno de los aspectos primordiales de este tipo de enseñanza. El repertorio debe estar interconectado y varía según las influencias culturales de cada región, por ejemplo, puedes empezar un periodo con un merengue y otras piezas sencillas que los van preparando para el momento de ejecutar composiciones más complejas como el “Te Deum” o “Pompa y circunstancia” de Elgar. En países nórdicos como Suecia funcionan los trabajos de Sibelius o la “Obertura Gipsy” de Merle Isaac y en el caso de este proyecto también mezclamos esas piezas con otras melodías de influencia árabe para generar la empatía de nuestro músicos y rendirle un homenaje a sus raíces.

 Fuente: http://www.nytimes.com/es/2016/10/23/un-director-venezolano-usa-la-musica-para-integrar-a-jovenes-refugiados-en-suecia/
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República Dominicana: Ministerio de Educación clausura Mes de la Canción Escolar

República Dominicana/03 noviembre 2016/Fuente: El Nuevo Diario

EL NUEVO DIARIO, SANTO DOMINGO.- El Ministerio de Educación (MINERD) realizó este martes el XL Festival de Coros José de Jesús Ravelo, con el que clausuró el Mes de la Canción Escolar, que se celebra en octubre de cada año, por decreto presidencial y cuya versión este año estuvo dedicada a la maestra y artista Marianela Sánchez.

En la actividad, que se efectuó en el Auditorio del Club Mauricio Báez, en el sector capitalino de Villa Juana, participaron las agrupaciones corales representantes de las 18 regionales del país.

Al pronunciar el discurso central, Cruz María Dotel, coordinadora del Área de Educación Artística, explicó que el canto, individual o colectivo, representa un valor cultural, una expresión artística, y un instrumento de transmisión e internalización de valores culturales.

Además, que también cumple una función importante en la formación integral de niños, niñas y jóvenes, fortaleciendo su identidad y sus infinitas posibilidades de expresión, por lo que en 1975 el Estado dominicano emitió un decreto presidencial, designando a octubre como “Mes de la Canción Escolar”.

Dotel precisó que el evento es una posibilidad de educar a través del canto y un medio “que afina el oído, ayuda a identificar fonemas de las lenguas, facilita el desarrollo del aprendizaje y el conocimiento con emotividad y alegría, además de ser un recurso educativo para la expansión de las competencias curriculares”.

Dedicatoria

El XLI Mes de la Canción Escolar y el XL Festival de Coros José de Jesús Ravelo fueron dedicados a resaltar los grandes aportes hechos a la Educación Musical y al canto coral, por la gran maestra, artista y directora coral, Marianela Sánchez.

Sánchez se graduó en 1983 como maestra de canto en el Conservatorio de Santa Cecilia, de Roma. En Lucca hizo un curso con Franco Calabrese de perfeccionamiento del repertorio operístico de Puccini, y posteriormente en New York, Estado Unidos, se graduó en canto vocal.

Asimismo, es ganadora de varios premios y reconocimientos por su fructífera carrera. En la actualidad se desempeña como directora del Coro de la Cooperativa de Maestros y del Coro de Voces Infantiles fundado por ella.

Previo al inicio del Festival de Coros, Dotel entregó una placa de reconocimiento a Marianela Sánchez, por su notable carrera musical y sus aportes a la educación artística.

En la entrega de la placa Cruz María Dotel estuvo acompañada de Rafael García Romero, director general de Cultura, Barbarita Herrera, representante de la viceministra de Asuntos Técnicos y Pedagógicos, Denia Burgos; Adamilca Victoria, Leyda Pérez, propulsoras de la educación artística y de ambos eventos, y Simón César, director de la Red Nacional de Coros del Ministerio de Cultura.

“El legado artístico y cultural de esta ilustre mujer; de esta gloria nacional, nos llena de orgullo y nos incentiva a trabajar sin descanso para alcanzar los más altos estándares de calidad, desde cada uno de nuestros ámbitos. Por ello, nos honramos al hacer homenaje a esta gran ciudadana dominicana, esperando que su ejemplo sea emulado por las presentes y futuras generaciones para grandeza de nuestra patria”, puntualizó Dotel.

De su lado, Sánchez agradeció la distinción, la que calificó como una sorpresa, por lo que dijo sentirse muy emocionada y feliz de haber sido reconocida por un ministerio tan grande e importante como el de Educación.

La maestra aprovechó la ocasión para exhortar a todos los niños a que sigan cantando, pues, se sorprendió al escuchar jóvenes participantes en el festival con tan buenas condiciones vocales.

“Los exhortó a que sigan cantando y que se integren nuevos alumnos, con una buena supervisión en el futuro para que se perfeccionen”, indicó.

El Festival

El Festival de Coros rindió homenaje por cuadragésima ocasión a un grande de las artes y las letras criollas como es José de Jesús Ravelo, quien ha dejado grandes aportes a la educación musical y al canto coral.

Ravelo fue autodidacta y con amplia experiencia musical. Fue profesor de Canto en la Escuela Normal –Instituto de Señoritas Salomé Ureña. Fue fundador y director del Liceo Musical que luego se convirtió en Conservatorio Nacional de Música. Nació el 21 de marzo de 1876 y murió el 2 de diciembre de 1951.

En el evento participaron agrupaciones corales estudiantiles y profesionales de instituciones públicas y privadas de Santo Domingo y las regionales del país.

Fuente: http://www.elnuevodiario.com.do/app/article.aspx?id=505407

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La música tiende puentes entre los dos hemisferios del cerebro infantil

Por: Revista Educativa Mundial

Practicar más de dos horas a la semana aumenta un 25% el cuerpo calloso.

Una nueva investigación sobre la relación entre la música y el cerebro ha podido establecer que los niños que tocan un instrumento una media de dos horas y media a la semana desarrollan un 25% más el cuerpo calloso, la zona que conecta los dos hemisferios cerebrales y que ayuda a la coordinación de ambas manos. Los investigadores descubrieron también que el incremento en el cuerpo calloso es directamente proporcional al rendimiento en una prueba no musical en la que los niños presionaban secuencias en un teclado de ordenador. Ahora se trata de averiguar si la práctica musical conllevaría otros beneficios, como la mejora de la memoria o las cualidades de razonamiento.

Tocar un instrumento musical fortalece las conexiones entre los dos hemisferios del cerebro en niños, pero sólo si éstos practican de manera persistente, señala la revista Sience.

Según un estudio hecho público en el encuentro anual de la Cognitive Neuroscience Society de Estados Unidos, dedicada al desarrollo de la investigación de la mente y el cerebro, la práctica musical reforzaría las conexiones neuronales, aumentando en un 25% el llamado cuerpo calloso, que es la parte del cerebro (formada por un conjunto de axones que conecta los dos hemisferios cerebrales.

Aumento del cuerpo calloso en niños

Ya en 1995, el mismo autor del presente estudio, el neurólogo y neurocientífico Gottfried Schlaug descubrió que los músicos profesionales que habían empezado a tocar antes de los 7 años de edad presentaban un cuerpo calloso más grueso de lo normal.

No faltaron escépticos que, entonces, señalaron que este tamaño inusual del cuerpo calloso podría estar en el origen de la capacidad musical y no a la inversa, es decir, que los músicos podrían haber tenido desde el principio un cuerpo calloso más desarrollado.

Ahora, Schalug, que trabaja en la Harvard Medical School de Boston, y sus colegas Marie Forgeard y Ellen Winner, del Boston College, han estudiado a un total de 31 niños utilizando imágenes de resonancia magnética. Con esta tecnología, analizaron los cerebros de los niños, primero cuando éstos tenían seis años y, posteriormente, cuando tenían nueve años de edad.

Del grupo inicial, seis niños siguieron practicando con sus instrumentos durante esos años al menos dos horas y media a la semana. El cuerpo calloso de estos estudiantes de música creció entre los seis y nueve años un 25% en relación con el tamaño global del cerebro.

Mejora de la coordinación

En cambio, en el caso de los niños que también siguieron tocando, pero sólo entre una y dos horas a la semana o que, directamente, abandonaron la práctica, no se detectó este crecimiento del cuerpo calloso.

Todos los participantes en el experimento tocaban el piano o el violín, instrumentos que precisan el uso de ambas manos.

Por otro lado, en cada participante, los investigadores descubrieron que el incremento en el cuerpo calloso era directamente proporcional al rendimiento en una prueba no musical en la que los niños presionaban secuencias en un teclado de ordenador.

Es decir, que la práctica musical mejora las conexiones neuronales relacionadas con la coordinación de los movimientos de las dos manos.

Schlaug y su equipo seguirán investigando a estos mismos niños para saber si la práctica musical conllevaría otros beneficios, como la mejora de la memoria o las cualidades de razonamiento.

Cerebros cambiantes

Esta investigación no es la primera que señala el efecto del aprendizaje y la práctica musical en el cerebro infantil. En otro estudio anterior, realizado por psicólogos de la Universidad McMaster de Canadá, se compararon los efectos del aprendizaje de la música sobre la sensibilidad de los niños y sobre su capacidad de memorización.

Con un seguimiento de dos años de duración a dos grupos de niños de edades comprendidas entre los cuatro y los seis años, se pudo demostrar que los participantes de uno de estos grupos, al que se le enseñó música, habían sufrido una maduración acelerada del córtex cerebral.

Otra interesante investigación realizada hace unos años demostró por otro lado que los músicos profesionales tienen el cerebro más desarrollado en las áreas de éste relacionadas con el oído, la vista y la agilidad física.

Todo parece indicar, por tanto, que la práctica musical es beneficiosa para el cerebro, ya se trate del cuerpo calloso, del córtex o de las regiones cerebrales relacionadas con los sentidos del oído y la vista, así como con la agilidad física.

Investigaciones anteriores han podido determinar que no existe en el cerebro una región específica para la sensibilidad musical, sino que la música abarca diversas áreas cerebrales, incluso algunas que normalmente están implicadas en otro tipo de actividad. También hemos descubierto que las áreas cerebrales activas varían según la experiencia individual y el entrenamiento musical.

Se sabe asimismo que la música está estrechamente relacionada con la cultura humana desde sus orígenes y que la práctica musical ayuda a los estudiantes a desarrollar el cerebro y a mejorar sus aptitudes académicas.

  • Articulo tomado de: http://www.redem.org/la-musica-tiende-puentes-entre-los-dos-hemisferios-del-cerebro-infantil/
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